José Manuel Betancourt nos habla de sus motivos para estudiar con Bonnie Morín y describe algunos de sus ejercicios.

Vanesa comparte su experiencia en los cursos intensivos de verano.

El actor Juantxo Divasson comparte sus impresiones de su aprendizaje en Método Madrid.

"Conocí a Bonnie Morín hace muchos años atrás cuando me invitó a participar en su nuevo proyecto para montar La Chunga de Vargas Llosa en Venezuela, y acompañarla a lo largo de todo el proceso creativo, en mi caso, con el trabajo vocal y el encuentro con la voz de los personajes. Montaje éste que tuvo gran resonancia en el ámbito teatral y cuyo estreno contó con la presencia del dramaturgo. Ese fue el primer eslabón de una larga cadena de diferentes retos que asumió, y que me permitió conocer a fondo sus niveles de profesionalismo y compromiso con el arte teatral, sus actores y sus estudiantes.

En ella confluye la directora de gran talento con la docente excepcional, reuniendo solidez de conocimientos y creatividad, rigor académico, flexibilidad, humildad y un profundo caudal humano. Soy afortunada por haberla conocido y nutrido a la vez en nuestro trabajo en conjunto.La he visto desarrollar pacientemente ejercicios con sus alumnos del Método Madrid, conduciéndolos con destreza y sutileza a descubrir y revelar lo más profundo de su potencial y creatividad. Gracias Maestra por permitirme acompañarla a través de todos estos años."

Felicia Canetti
Profesora de Técnica Vocal
Caracas, 30/07/2017

DIRECCIÓN-PREPARACIÓN PROFESIONAL-CASTINGS-ENTRENAMIENTO PERSONALIZADO

El Método es lo que la palabra indica... una manera de llevar a cabo algo. Un proceso repetible (o método) para producir una interpretación realista, orgánica y no imitativa. Se le aporta al actor una "caja de herramientas" de la cual seleccionará las herramientas apropiadas para cada trabajo, no necesariamente debe aplicarlas todas, solo las que necesite.

Bonnie y Cristian son una pareja de profesionales de la escena y el cine con un amor por su trabajo que les convierte en unos excelentes directores y formadores. Su talento y trayectoria internacional (USA y otros países de América) y su calidad humana me permiten recomendar su escuela como una de las mejores de esta ciudad para el aprendizaje de la interpretación y la dirección de escena y cine.

Es la metodología de la FORMACIÓN PERSONALIZADA.

Ciertamente bajo esta metodología no se puede encapsular en un tiempo límite la formación de un actor. Debe llevarse el tiempo que él necesite. Cada actor es una piedra única por esculpir. No es simplemente una frase que me he inventado porque suene bonita. Es la auténtica realidad. También puede llevarse menos tiempo que el estipulado.

Como docente sigo las mismas pautas que ejercieron conmigo mis maestros. Si el talento y constancia de un alumno me pide un ritmo más rápido, lo lógico es que yo vaya a su paso y vuele con él si es necesario. Por ello las clases no pueden estar abarrotadas de alumnos, deben tener un cupo limitado de diez como mucho. Mientras más reducido sea el grupo habrá más tiempo para dedicarle a cada alumno.
Contrariamente se piensa que las escuelas con más alumnos y con espacios gigantescos son las mejores. De hecho en mi proceso de formación tuve ambas experiencias, porque aparte de los estudios con mis maestros me formé en la Universidad de la UCLA, en Los Ángeles, y pude experimentar la diferencia en calidad de lo que aprendía en las clases de interpretación de la Universidad con relación a los talleres privados donde me formé. No había comparación ninguna. Por supuesto atender a una Universidad como la UCLA significa obtener una formación cultural necesaria para todo artista, el hecho de haber podido realizar en la practica un diseño de todas las disciplinas que engloba el teatro para mi fue una experiencia suprema, pero hasta el día de hoy, después de tantos años de experiencia, confirmo que la formación más sólida que obtuve fue en los pequeños estudios y talleres de los grandes maestros que establecieron y difundieron el Método en los EEUU.

Se trata de un sistema que tiene tres vertientes.

La primera vertiente implica la parte de preparación del instrumento del actor, que abarca su voz, su cuerpo y su psique, esto conlleva un entrenamiento de los sentidos como parte fundamental para su sensibilización, para desbloquearse y para el desarrollo de su concentración, de su imaginación y de su intuición.

“Los sentidos son el centro del desarrollo del actor orgánico”. Es lo que más he aprendido en toda mi trayectoria como instructora y directora, los sentidos no solo ayudan a gestar las condiciones apropiadas para la actividad creadora, sino también a lo largo de toda su carrera, resolviendo problemas de toda índole, desde el soporte para la creación de imágenes, hasta la respuesta para realizar un personaje o hasta el estímulo que ayuda al actor a encontrar reacciones orgánicas, como por ejemplo puede ser un mal olor asociado a un personaje que se detesta.

La segunda vertiente es la de ejercicios individuales que he ido creando para resolver varios problemas inherentes al actor. El cómo un oficio cincela la personalidad de todo ser humano;
el cómo trabajar un espacio concreto y ver cómo afecta nuestra conducta, etc… y así una larga secuencia de ejercicios que se hacen más complejos en la medida que el actor avanza en su desarrollo.

La tercera vertiente es el estudio de escenas. Comenzamos con los autores contemporáneos, y nos movemos progresivamente hacia los clásicos. También, tratándose de actores profesionales o avanzados que nos buscan para trabajar problemas específicos, buscamos escenas que lidian con esos aspectos.

Un actor orgánico es aquel que tiene un concepto de verdad adquirido, prácticamente asimilado, en la piel. Es un actor que busca por todos los medios apropiarse de su personaje y sus circunstancias.

El actor orgánico busca activar reacciones orgánicas en su cuerpo. No imitar estas reacciones, sino crearlas realmente.
Que su cuerpo responda a los estímulos de autosugestión o “histeria controlada”, como también solemos llamarlos, de manera de trabajar mediante un proceso y no en búsqueda de resultados, para que éstos lleguen por si solos, sin forzarlos, como consecuencia natural de dichos estímulos.

“Libertad Controlada”.
A mi entender no basta con eso, a lo anterior le agregaría todo lo que considero o llamo el “perfil de excelencia de un actor”.
Un actor no solo debe ser orgánico sino también precavido de nunca hacerse daño ni hacerle daño a otros o a las cosas que le circundan, como la escenografía o el atrezo. De manera que por el afán de ser auténtico no puede excusarse jamás de llegar a situaciones límite que puedan tornarse peligrosas para él mismo y para el entorno de trabajo. Con esto me refiero también a daños psicológicos o agresiones a la parte personal del artista, desde aspectos que considero impropios, como inmiscuirse en la vida privada del actor o forzar al actor a revolcarse en áreas de su psique que no deben ser tratadas sino por psicólogos o psiquiatras.
Creo que, lamentablemente, se ha hecho una mala interpretación del método por muchas escuelas en este sentido. Por este motivo el actor debe aprender ejercicios que siempre le provean de pautas para el auto control sin dejar de liberar sus impulsos. Hay un equilibrio implícito en esta técnica que requiere de mucha práctica.

Nada debe ser más importante que el ser humano.
Hay conceptos de la ética en toda carrera artística que deben ser previstos por toda escuela para que se dé un ambiente de camaradería y respeto entre unos y otros.
Hay dolores psicológicos que pueden invadir al actor al abordar el personaje que pueden estar rozando o tocando en forma extrema su psique, afectándolo innecesariamente. Para ello, el docente debe prever que se usen otras herramientas que no lleguen a convertirse en un lastre, representación tras representación, para el actor.
Prefiero, por eso, partir del estímulo constante de la imaginación como principal músculo del actor.

Importante es entender que estamos para servir al personaje, pero ello se debe a una pasión que nos mueve y nos satisface, y no que nos hace sufrir o se convierte en un proceso tormentoso.
Siempre le digo a mis alumnos “si no hay placer en lo que haces, es un mal signo”.
El buen actor cuando sufre porque su personaje sufre, lo disfruta enormemente.

También debemos estar atentos a ser exigentes sin ser desmedidos porque entonces se alienta una actitud de eterna inconformidad, y esta es una actitud lamentable y destructiva que hay que evadir a toda costa. Volvemos a la necesidad de un “equilibrio emocional” que ayude al actor a ser disciplinado y ambicioso, sin perder jamás el disfrute de actuar. No intentar jamás realizar “la gran actuación” porque la perfección no existe en la vida real, ni en el teatro; y en segundo lugar, porque estaría trabajando en su contra colocando una presión psicológica innecesaria.

Por todo lo anterior, deben verse y celebrarse los pasos acertados que el actor va dando, cada uno a su medida.
Tengo gran respeto hacia cada actor que viene a mí, porque estoy consciente de que cada persona tiene en si mismo un dios que hay que dejar que fluya de su interior. Por ello, hay que darle a cada actor la confianza necesaria para probar y arriesgarse sin que le importe caerse. Esa confianza debe recaer en un seguir las pautas dadas sabiendo que siempre encontrará respuestas. ¿Qué tipo de respuestas? Nadie lo sabe a priori, esto es justamente lo maravilloso del Método.