¿Qué se trata de obtener con el análisis colectivo de los ejercicios en clase?
Siempre que este análisis se realice bajo la supervisión del profesor y con su evaluación final, es la fórmula idónea para que toda la clase participe y aprenda de cada ejercicio o escena.

Por la energía que se siente cuando sabes que tocas a otro con tus palabras sobre un escenario y que luego se extiende hacia los espectadores, dejando así de pronto de ser unos extraños.  Cuando sientes que palpitan ríen y lloran contigo, es simplemente algo mágico que no deja de sorprenderme cada vez que sucede. La lucha por alcanzar la perfección de ese lenguaje y esa conexión con el público vale todo el esfuerzo.

Cuando algo como esto ocurre en nuestro interior, sabemos que estamos pillados por la vocación o por lo que comúnmente se llama el “veneno”. Creo que no hay profesión más noble, pese a la inestabilidad económica que suele acompañarla. Es una profesión que tiene el privilegio de gozar de todas las artes. Yo considero, además, a este oficio un lenguaje divino que nos permite crecer cultural y espiritualmente y que puede dar salida para el bienestar de muchos a través de obras bien concebidas, creando conciencia o sensibilizando, o simplemente entreteniendo. El alcance del teatro para la labor social es también alucinante.

Nuestra técnica es la misma para los tres medios y aportamos el conocimiento necesario que los diferencia. Cada uno de los medios tiene su particularidad que los hace notables en si mismos y creo que todo actor profesional debe ser capaz de funcionar en los tres medios. No obstante el teatro siempre ha sido mi preferencia, y sin duda alguna el mejor lugar para aprender interpretación.
El teatro expone al actor a un proceso más intenso ya que no hay artificios técnicos que puedan mejorar su trabajo como lo es la edición o efectos especiales como sucede con el cine, además está la condición dada de la conexión directa con el público que hace del teatro una experiencia muy especial.

Creo que el arte de enseñar es un arte de amar por preferencia, es el privilegio de aportar a otros lo que otros de igual manera nos han brindado. La misión es ayudar a otros a alcanzar su sueño de realización a través de las artes. Considero, también, que el teatro visto a través de esta tendencia, me permite adentrarme más en mi misma y hacer a la vez un mejor contacto con el mundo. Es cuando más feliz me encuentro porque siento que comparto con otros lo que normalmente no puedo hacer. Es un romper con esa soledad absoluta en la que vivimos inmersos.

A través de esta técnica de interpretación es como si ganáramos un lenguaje que nos permite comunicarnos mejor, porque nos quitamos todo tipo de máscaras y dejamos nuestras almas al desnudo. Pienso que el teatro visto de esta manera, debería institucionalizarse en las universidades para todas las carreras pues ayuda muchísimo al auto-conocimiento, a desbloquearse y comunicarse mejor con nuestros semejantes y también ayuda con el auto control de las emociones, al mismo tiempo que ayuda a liberarlas.

En principio debo decir qué es el método a mi entender y cómo se juzga, a veces superficialmente, esta tendencia que fue originada en principio por Lee Strasberg.

Han sido muchos los colaboradores hasta el día de hoy en este técnica de interpretación y las aportaciones que se han realizado a nivel mundial. Decir que el Método de Lee Strasberg es una copia del Sistema Stanislavskiano es una injusticia y desconocimiento total del legado de ambos grandes maestros. Uno se inspiró en el otro e hizo su propio discurso, al igual que han hecho muchos profesores seguidores a su vez de Stanislavsky y de Lee Strasberg. Cada profesor que tuve le aportó al Método su propia visión y adaptación a su manera de pensar y de sentir y de investigar y crear.

En mi caso, tuve la fortuna de estudiar en diversas escuelas, las más reconocidas del Método: Lee Strasberg y Stella Addler. Tuve otros profesores maravillosos como Albert Morgenstern con quien estudié durante diez años y quien se convirtió en mi mentor. Obtuve una beca al “Talento Latino” en el Stella Addler Institute y pude experimentar las diferencias entre un acercamiento y otro. Tomé de cada uno lo que mejor consideré en su momento servía a mi instrumento.

Ya, después, cuando de regreso a mi país decidí dar forma a mi propio programa de estudio, coloqué los ejercicios de cada profesor en el lugar que a mi entender darían a conocer mejor la técnica, y luego, a lo largo de treinta años enseñando, tuve la oportunidad de adaptar cada ejercicio, agregar mis propias versiones de estos ejercicios y diseñar otros tantos.

Ver lo que cada actor puede brindar y exigir de acuerdo a su talento y disposición de trabajo. Enseñar a la persona sin jamás herir su autoestima, ha sido otro de las características que he luchado por incorporar a mi sistema de clase como actitud pedagógica y filosofía de vida.

La anticipación.
Trabajamos enfocados en el aquí y ahora, las transiciones se dan entonces de forma fluida. El actor va arrastrando consigo lo vivido dejando que se mezcle con cada momento que atraviesa.
El actor conoce el final de la obra que representa pero el personaje no, las predisposiciones anulan
la espontaneidad y la sorpresa que surge con cada revelación que va surgiendo en la obra, por lo que el actor no puede anticiparse nunca.

¿No es este una metodología que requiere mucho tiempo para gestar actores?
Es la metodología de la FORMACIÓN PERSONALIZADA.
Ciertamente bajo esta metodología no se puede encapsular en un tiempo límite la formación de un actor. Debe llevarse el tiempo que él necesite. Cada actor es una piedra única por esculpir.

Esto conlleva un entrenamiento que exige un proceso con un tiempo adecuado para cada estudiante, ya que cada actor necesita su propio espacio para experimentar y repetir tantas veces como sea necesario hasta haber somatizado las herramientas que nuestra escuela le aporta.
Desafortunadamente, cuando los actores comienzan sus estudios no tienen el criterio para saber qué es bueno o malo para su proceso de aprendizaje.

Mi consejo es que actores noveles no deben impresionarse con los logros que se obtienen de su trabajo gracias a la influencia de las directrices de profesores que son más directores que docentes. Estos lo que buscan a toda costa es obtener resultados de sus alumnos y de una forma inmediata, sin importar si el alumno en verdad está aprendiendo, si está adquiriendo la capacidad de manejar lo aprendido y repetirlo por si mismo.

Después de 30 años de experiencia como profesora de interpretación en Estados Unidos, Venezuela y ahora España, la aportación que he realizado al Método está estrechamente relacionada con mi trabajo como directora y docente. He agregado aspectos y objetivos nuevos a cada uno de los ejercicios que aprendí de mis maestros. De alguna forma, cada ejercicio se ha convertido en una nueva versión de aquellos ejercicios. He diseñado también ejercicios totalmente novedosos en búsqueda del centro de cada actor. Entre ellos figuran: el ejercicio de confrontación, descripción de personas y lugares; ejercicio de ocupación, ejercicio de la Historia Imaginaria parte 1, 2 y 3 que abarcan una variedad de aspectos que tienen que ver con lo que llamo el “Malabarismo Escénico”, que no es otra cosa que la habilidad que debe tener el actor para manejar diversos objetivos simultáneamente, dando como resultado un incremento notable de su calidad interpretativa.

Otro aspecto de gran importancia es el trabajo de Construcción de Personajes. Esta es una de las áreas más descuidadas o sin tratar en la mayoría de las escuelas. Creo que existe un mal entendido en torno a lo que significa “construcción de personaje” o “caracterización”, en la mayor parte del trabajo que se observa en el cine o en el teatro, los personajes se construyen basándose en un vestuario, o maquillaje, aspectos importantes pero no fundamentales y que son absolutamente externos.

El análisis de la psicología del personaje suele ser anecdótico o suele simplemente ilustrarse, en lugar de fundamentarlo.

Yo suelo trabajar mucho a través de la improvisación y la investigación. Asimismo, el trabajo que tiene que ver con la cultura, acento, problemas o limitaciones físicas o psicológicas, ¿qué acerca del ritmo? ¿forma de caminar o de hablar? Cómo hacer de cada personaje una pieza única, sin jamás violar la regla máxima de organicidad que exige que el actor jamás se separe de su personaje.
Su esencia como ser humano, o como quieran llamarlo: el alma o espíritu del actor debe prevalecer siempre inmersa en su trabajo de actor, de otra forma se termina haciendo un cliché, un estereotipo, un trabajo sin vida y sin interés alguno.

Yo antes nunca creía en una formación para el actor. Hasta que conocí a Bonnie Morín, mi amiga y actriz (Estefania Hidalgo) me presentó está escuela. Realmente, no sabía en donde me metía pero yo como actor, tenía la necesidad de mejorar y profundizar en mi interpretación. La escuela me dio una disciplina a la hora de trabajar, unas técnicas que me ayudan a profundizar en los personajes. Para mí fue un lugar de confianza, de poder cometer errores y atreverme a investigar.