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Estudio de Artes Escénicas y Audiovisuales

Nicolas Cage

Jueves, 07 Septiembre 2017 19:04

Nicolas Cage Nicolas Cage Método Madrid

Interesante entrevista del año 1995, donde el reportero Robert Ebert formula preguntas en las que el actor Nicolas Cage reflexiona y analiza sobre su proceso de trabajo vinculado al alcoholismo en “Leaving Las Vegas“.
“Puesto que era una grabación corta, consideré que podía permanecer dentro del personaje, continuar con la visión del túnel en la que sabes que al final podrás respirar” Es septiembre, la mañana siguiente después del estreno mundial de Leaving Las Vegas en el Toronto Film Festival. Todavía estoy bajo el embrujo de esta excelente película. Nicolas Cage interpreta a un hombre que pierde tanto la familia como el trabajo y se muda a Las Vegas con la intención de beber hasta morir.

Durante su estancia, conoce a una prostituta, interpretada por Elisabeth Shue, y se enamoran; aunque él, aferrado a su vicio, le advierte que no piensa dejar la bebida. La cinta está llena de emociones intensas. Es operístico en su pasión y tragedia. Además, consta de dos de las mejores actuaciones del año.

Nicolas Cage y yo hablamos del film en su habitación de hotel.

Este hombre está realmente sufriendo, ¿verdad?
Creo que está sufriendo tanto, que decide no sentir ningún dolor en absoluto.

Seguramente no bebía como un alcohólico antes de esta crisis de lo contrario habría muerto antes de ésta!
“No me acuerdo si mi esposa me dejó porque empecé a beber o si empecé a beber porque mi esposa me dejó”. Creo que le sucedió algo realmente demoledor emocionalmente. El modo en que yo lo justifiqué fue basándome en la idea de que tiene un niño que, por una razón u otra, no puede verlo.

La relación que mantiene con la mujer de Las Vegas, su “ángel”, que interpreta Elisabeth Shue, es interesante debido a que él tiene alucinaciones. Por lo tanto ¿es posible que en algunos momentos le viera como un ángel de verdad?.
Me parece una ironía interesante, puesto que a fin de cuentas sólo se está autodestruyendo. Pero por otro lado, si no fuera por la bebida, no habría encontrado el amor verdadero… Habría juzgado a Sara como los demás hombres, es decir, habría pensado que es una prostituta y que no se le puede tomar en serio. Con la bebida, él le ve como ella realmente es, una persona con un buen corazón. De modo que, aunque se esté matando, tiene esta experiencia al final de la película del amor verdadero, cosa que es más de lo que puedo decir de mucha gente.

Cuando hablamos justo después del estreno, mencionaste las tres fases de la música que se dan en la película.
El director, Mike Figgis, es músico compositor magnífico. Al principio de la película, la música parece de tipo blues; por la mitad, suena más a jazz; y al final es casi ópera. Recuerdo una escena donde estoy jugando al límite, pero ganando, justo antes de que traiga a otra mujer a casa para sabotear la relación. Recuerdo, no sé por qué, que empecé a cantar Parsifal, más o menos así (canta…). Al final del largometraje, la banda sonora está compuesta en su mayoría por ópera.

La ópera expresa emociones fuertes y las mantiene hasta el final. Es justo lo que hace esta película. No compromete. Debe haber sido difícil conseguir que se haga una cinta así sin que nadie intentara suavizar la historia o cambiar el final.
Sí, como te podrás imaginar, algunos productores de Hollywwod afirmaron que al final de la historia, todos teníamos que correr al Betty Ford Clinic (un centro de desintoxicación) para que todo terminara bien. Pero debido a que el presupuesto era el que era, no había demasiada gente que tuviera derecho a modificar el guión. La película se hizo con relativamente poco dinero.

¿Cuánto?
4 millones de dólares.

Es menos que lo que cobras habitualmente. Pero de todo modos parece que ha costado más; todo lo que tiene que estar en pantalla está.
Se grabó con película de 16mm en vez de con 35, lo que habría costado una mayor suma de dinero. La película de 16 me parece emocionante, porque le da una textura diferente a la cinta. Está en colores apagados, como un cuadro. El cine ha perdido algo con la alta tecnología, se ha convertido súper realista. Tiene no sé qué digital y no sé qué estéreo, y todo es como un CD impoluto. Se está convirtiendo en algo más frío. Por otro lado, en las viejas películas en blanco y negro, había una separación entre el público y el largometraje. Era como un cuadro. Leaving Las Vegas es en color, pero los 16 mm le aportan una cualidad parecida.

Mucha gente usa la película de 16 mm para entrar en la industria, pero Mike Figgis, Elisabeth Shue y tú habéis hecho muchos trabajos de gran presupuesto y de películas de 35mm. Por tanto, tal vez la intención en este caso era salirse de la industria…
Como actor, tener en frente una película de 16 mm me fue liberador, ya que es mucho más pequeña, de modo que no te sientes tan intimidado. Captura los pequeños matices. Tan pronto como tienes en la cara esa gran cámara, te tensas un poco. Actuar en el cine es un proceso de aprendizaje sobre cómo superarlo, aunque no sé si realmente llegas a lograrlo.

Figgis me contó que grabasteis todo en 28 días. Imagino que te conectaste al personaje y no saliste de él durante un mes.
Básicamente, sí. Puesto que era una grabación corta, consideré que podía permanecer dentro del personaje, continuar con la visión del túnel en la que sabes que al final podrás respirar. Si hubiese durado 4 meses, me hubiese sido mucho más arduo. Entrar en la mente de un hombre que quiere matarse no es mi modus operandi. Me gusta sentirme vivo y cuando trabajo, intento conectar con el significado de la vida de los personajes de una manera que me permite ver a dónde va o por qué hace esto o lo otro. Por lo tanto, me encontré cuestionándome la muerte y su misterio.
Estaba interpretando a un hombre suicida. (John O’Brien, que fue el que escribió la novela, se suicidó.) La familia de O’Brien vino al set, y recuerdo que dijeron: “Ese es justo el reloj que llevó John”. Por alguna razón, yo quería llevar justo ese reloj. Conducía un BMW en la película y los familiares dijeron: “Es justo el mismo vehículo que conducía John.”… Esos pequeños rasguños en el sobre del tiempo y el espacio daban un poco de mal rollo.

¿La novela de O’Brien es autobiográfica?
John O’Brien, por lo que puedo deducir, era un borracho; mas también era un escritor brillante que se pegó un tiro en la cabeza dos meses después de que comenzara la producción de esta película. Eso afectó a todo el equipo, así como a Mike Figgis, Elisabeth Shue y a mí; sus palabras realmente tenían peso. Su padre dijo: “Su libro es una nota de suicidio.”

¿Qué sabías sobre el alcoholismo antes de empezar a filmar la película y qué descubriste sobre el personaje?
Para mí la bebida es algo social, bebo con mis amigos. Tomar una copa de vino en la cena no es un problema. Me impactó el hecho de que la gente que bebe demasiado durante largo tiempo pueda tener alucinaciones o pueda sufrir de delírium trémens. Intenté buscar grabaciones de dichos fenómenos, dando con vídeos de monos de heroína, pero no sé por qué, es muy difícil encontrar grabaciones de síndrome de abstinencia en alcohólicos. Como consecuencia, tuve que usar la imaginación.
Hablé con muchos alcohólicos, hablé con gente que organiza programas para superar el problema y descubrí que el alcohol actúa como una inyección que viaja por el cuerpo y relaja el estómago, viéndose completamente contraígo cuando se está en abstinencia. Gracias a estos datos basé la mayoría de mi interpretación física en el estómago.
También vi 4 películas para tener más idea sobre esta enfermedad: Día sin huella de Ray Milland; Días de vino y rosas de Jack Lemmon; Arthur, el soltero de oro de Dudley Moore y Bajo el volcán de Albert Finney. Estaban todos geniales, aunque Albert Finney me impactó especialmente. Me pregunté: “¿Qué tiene esta interpretación de diferente?”. Le comenté a Figgis, que ha trabajado con Finney, “a ver si el actor estaba borracho de verdad”. Mike telefoneó a Finney, y este respondió: “No. Debido a los cambios que hay en el horario de grabación habría sido completamente imposible! Tienes que estar en el set de repente, así que no cabía la posibilidad de emborracharme de verdad.”

Bueno, tampoco podrías controlar la interpretación si estuvieras borracho.
Verdad, eso sería un ejemplo de ir demasiado lejos con el método.

En la primera escena, necesitas beber desesperadamente. Yo vi puro pánico, estabas muy asustado, y tu bravuconería era una cortina de humo desesperada.
Es el terror al dolor físico, el pavor a las alucinaciones que pueden darse. Trataba de plasmar el puro pavor a todo ello.

La chica de la que te enamoras se prostituye. Tiene que haber cuestiones de posesividad, de celos. Es el subtexto de la relación. ¿Cómo trabajaste eso mentalmente?
Pues, para mí no se trataba del sexo. El personaje busca algún tipo de compañía al final del camino. Muchos alcohólicos dicen que es difícil tener relaciones sexuales si estás borracho como una cuba todo el rato. Existía la rara dinámica de que ella se podía ir y hacer su trabajo, es decir, tener relaciones sexuales. Y, de alguna manera, no era como si me estuviera siendo infiel. Hay una frase que digo: “A lo mejor debería preguntar a alguno de tus clientes cómo es acostarse contigo.” Y ella dice: “No sabrían.”

 

Traducción: Amaia Insausti Urkizu

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