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Estudio de Artes Escénicas y Audiovisuales

Robert De Niro

Jueves, 07 Septiembre 2017 19:04

Robert de Niro Robert de Niro Método Madrid

Desde su primer gran papel en Malas calles (1973) y El padrino II (1974), Robert De Niro se ha construido una envidiable carrera y se ha convertido en uno de los mejores actores vivos de nuestros tiempos. Asimismo, es uno de los pocos famosos que pueden estar en el foco público y, al mismo tiempo, mantener su vida privada en secreto. Se me ocurren por lo menos 3 canciones pop que mencionan su nombre.
En una entrevista reciente, De Niro y yo hablamos sobre su formación interpretativa en Nueva York, además de su última película, donde el actor vuelve a trabajar en un trabajo digno y serio/papel de seriedad y pathos. Encarna esta vez a un fracasado escritor y padre en Viviendo como un Flynn, basada en las memorias de Nick Flynn: Another Bullshit Night in Suck City (otra noche de mierda en la ciudad de mierda).

Un decenio antes de que De Niro emergiese en el plano de la actuación a principios de los 60, las escuelas privadas empezaron a abrir sus puertas para enseñar algo tan etéreo como la actuación. Hacia mediados de los 50, cualquiera que quisiera ser alguien pasó por el Actor’s Studio de Lee Strasberg, que pulió un enfoque interpretativo que los críticos denominaban “el método”. Hoy en día, consideramos a los actores del método como aquellos que habitan a sus personajes hasta tal grado que el actor se pone literalmente en los zapatos del personaje, incluso cuando no está en el escenario o ante la cámara. El actor vive el personaje. No obstante, hubo otra técnica de actuación en esos tiempos, una técnica que enseñaban Stella Adler y que tanto Marlon Brando como De Niro, entre otros, aprendieron.

Stella enseñaba que el actor no se mete tanto en la piel del personaje, puesto que se convierte en el personaje en escena (o ante la cámara) a través de las acciones del guión. La diferencia queda clara en la anécdota sobre Lawrence Oliver y Dustin Hoffman mientras trabajaban en El maratón de la muerte. Se supone que Hoffman estuvo levantado toda la noche para interpretar a un hombre que no había pegado ojo. Cuando Oliver vio que su compañero llegaba cansado y desaliñado, le preguntó: “¿Por qué no intentas actuar? Es mucho más fácil.”.  Como la mayoría de actores de aquella época, De Niro terminó estudiando tanto en la escuela de Stella como en el Studio. La división entre Strasberg y Stella Adler dio paso a la mayor polémica del siglo XX sobre la interpretación. Sin embargo, para De Niro, esa época fue sencillamente el telón de fondo de su temprana formación, como explica en esta entrevista. Esa base, junto a una experiencia de más de 40 años, continúa conformando su trabajo hoy en día.

¿Empezaste a estudiar interpretación cuando eras adolescente?
Fui al Taller de Interpretación cuando tenía unos 16 años y, más tarde, fui a estudiar con Stella Adler, desde los 18 hasta los 21. Estudié a tiempo completo. Tomé cursos de análisis de texto, de lectura fría… Me acuerdo que tomé parte en The Girl on the Via Flaminia y en todos los clásicos: escenas de Tennesse Williams, Odets, Chekhov.

La mayoría está de acuerdo en que Stella era un genio en análisis de texto
Siempre le voy a aplaudir por su capacidad de analizar textos y por su enfoque de la interpretación. La manera en que se comportaba, su afectación, todo ese lado suyo… Nunca me importó personalmente, pero era muy buena profesora. Enfocaba de manera muy adecuada la actuación y la técnica; aunque no estaba del todo de acuerdo con el Studio y Strasberg y demás. Sin embargo, tuvo un gran actor como alumno, a Brando (Marlon Brando). Cuando estudiaba con ella, yo no tenía ni idea de que él había estudiado con ella.

¿Brando fue una influencia relevante para tu carrera?
Los actores a los que siempre menciono son Brando, James Dean y Montgomery Clift.

Has nombrado la división entre Strasberg y Stella. Ella se centraba más en la imaginación creativa del actor y, menos en su historia personal.
Con Stella, la imaginación era importante, la investigación, también; pero sobre todo, la imaginación. Me acuerdo que decía: “No convirtáis al personaje en neurótico, a menos que así sea”, pero no se trata de ti. Se trata de lo que se obtiene objetivamente mirando fotografías, eligiendo cosas y analizando el guión. Miras la fotografía y no “ficcionalizas”, como diría ella, lo que hay en la imagen, sino que tomas lo que realmente hay en la foto. Lo mismo se aplica al texto, especialmente al texto en el sentido tradicional, pero a un guión de cine, también.
Empecé ir al Actor’s Studio cuando tenía 24, 25 y 26 años. Algunos amigos iban allí e hice una función ahí, por lo que empecé a ir al Studio después de dejar las clases de Stella. Era diferente en el Studio, y tampoco soy un experto en el tema. No quiero decir nada que le siente mal a nadie, era simplemente otro enfoque, en el Studio se trataba más del momento.

¿Cuando dices “no se trata de ti”, te refieres a que un actor tiene que olvidarse del ego?
Robert De Niro: Había un profesor en Sarah Lawrence College que decía que le hiciéramos caso al instinto. Te libera bastante, porque te distraes con “¿Quién es mi personaje? ¿Qué motivación tengo?”. Me pareció que era muy útil lo que dijo, especialmente para mí. Ya pensaba sobre todas esas cosas antes de que incluso pudiera moverme, mientras que de otro modo, puedes tirarte a la piscina.

¿Tiendes a sobreanalizar el personaje, por tanto?
Sí, sobre todo, cuando era joven. Te olvidas de que en la vida real la gente no se comporta así, simplemente hacen lo que hacen, no lo piensan.

En el programa “Inside the Actors Studio” te pidieron que les dieses consejo a los jóvenes actores, y dijiste: “No tenéis nada que perder, así que que sea lo más personal posible”. ¿Qué querías decir con eso?
A lo que me refería era que si vas a hacer una lectura y no tienes nada que perder, debido a que hay una tantas cosas en contra tuya (hay muchísima competición en este oficio), lo único que tienes cuando lees es tu singularidad. Por lo tanto, no tienes que tener miedo de hacer caso a tu instinto sobre lo que hace el personaje a tu parecer. Simplemente, tírate a la piscina, porque, como mucho, la gente que te está viendo (el director, los encargados del casting) se impresionarán de lo que has hecho y se darán cuenta. Hay que atreverse y tener valor. No hay que tener miedo, hay que tirarse a la piscina. En ocasiones, es más fácil, dado que sabes a dónde ir con el papel, y a veces, es más difícil. De todos modos, por lo general, hazle caso a tu instinto, aunque sepas que vas a fracasar. Si no asumes el riesgo, seguro que no les vas a impresionar.

Eso me lleva a tu último papel como Jonathan Flynn. ¿Cómo te has preparado para el papel?
Tuvimos al escritor, a Nick Flynn, allí todo el rato. Siempre opino que es relevante tener al escritor cerca, puesto que puede aportar toda la experiencia que tiene. Ayudó muchísimo con cada detalle que conocía y usaba el instinto cuando no estaba seguro de algo. Conocí al padre, fui a Boston, Nick tenía material que su padre había escrito. Una vez más, hice caso a mi instinto, basado en lo que estaba escrito, en las situaciones en las que consideraban que yo podía añadir o eliminar algo.

¿Cómo has cambiado el cliché de escritor alcohólico?
Bueno, era alcohólico… Para mí, es muy difícil ser escritor y tener la disciplina y la necesidad de estar a solas con tus propios pensamientos y expresarlos sobre un papel. Creo que el padre nunca fue capaz de solucionar eso. Exige una cierta disciplina y un tipo de profesionalidad, quieras o no. Me parece que la razón por la cual recurrió al alcohol fue que no era capaz de cumplir con la obligación de escribir. Escribía como a chorros, de manera esporádica; había trozos de papel, cosas, que había escrito. Había escrito la mayor parte de una novela, pero nunca la terminó, como Nick bien aclara en el libro.

Con la escritura, con la buena escritura en especial, se ve cómo el material tiene un impacto en todo a gran escala, así que este personaje… representa la actitud del mundo, o una parte de la humanidad, si lo prefieres. Stella (Adler) me dio la impresión de que cuando lees a estos personajes, estos representan más que a ellos mismos, pero que son ellos mismos de manera muy real. Me impresionó, me enseñó cómo la interpretación se aplica a una visión más grande.

Hablan de ti como un actor del “método”, que tiene la fama de ser psicológicamente precario. Me pareció revelador cuando dijiste: “hacer una disección psicológica al personaje es limitante”.
No me acuerdo de lo que dije, pero me sirve lo que dije el otro día. Digo que uses lo que sea que te funcione en el momento, lo que sea que sientas, lo que sea que hayas planeado, lo que sea que te lleve ahí, siempre que no le hagas daño ni a ti mismo ni a nadie. Traducción: Amaia Insausti

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